lunes, 23 de abril de 2018

Documentales (La realidad en imágenes) 

Bob Dylan y Martin Scorsese son dos personajes con el suficiente peso  específico en solitario para mover masas.
No direction home es una obra mayor, de esas que todo aficionado a la música o, por extensión, a la cultura popular deberá ver obligatoriamente al menos una vez. Martin Scorsese ya había filmado la música con una contundencia apabullante en 1977, cuando dirigió El último vals, donde ya aparecía Dylan. Ahora, casi tres décadas después, el director italoamericano más que filmar la música se ha zambullido dentro de ella, se ha sumergido en sus más recónditos entresijos aportando algo de luz a uno de los escándalos más sonoros y a la postre significativos de la década de 1960. Un escándalo que modificó toda la música posterior: el paso de Bob Dylan de las interpretaciones acústicas a las eléctricas o, por decirlo de otra forma, del folk de raíces tradicionales al rock de grandes espacios, demostrando, y eso fue lo más importante, que en el fondo eran o podían ser la misma cosa.
Scorsese centra su película en los cinco años que separan la irrupción de Dylan en los cafés del Greenwich Village neoyorquino y el mitificado grito de "¡Judas!" que puntuó su interpretación de Like a Rolling Stone en la gira de 1966 por Inglaterra. Dylan se ha prestado al juego recordando sin tapujos y sin falsa modestia todo lo que ocurrió. Y Scorsese ha redondeado esas declaraciones con las de otros protagonistas como Joan Báez, Pete Seeger, Harold Leventhal, Allen Ginsberg, Al Kooper, Izzy Young, Dave Van Ronk y Suze Rotolo.
No direction home no es un filme pensado para la gran pantalla, pero verlo en ella magnifica sus virtudes. El documental de Scorsese se estrenó en la cadena norteamericana PBS y posteriormente fue emitido en el Reino Unido por la BBC 2. 
En el décimo aniversario de su estreno, se estrenó una edición de lujo con extras de la película. Deluxe 10th Anniversary Edition contiene dos horas de material y entrevistas inéditos. También incluye tres litografías y una revista que reproduce fotografías y entrevistas de los años sesenta.
Este documental crea un retrato profundo y electrizante de uno de los grandes mitos vivientes de la música y, con todo, deja finalmente al protagonísta envuelto en el misterio, que es donde él verdaderamente vive. 


jueves, 19 de abril de 2018

Series (El cine en  pulgadas) 

En el transcurso de una fiesta de recaudación de fondos en una escuela pública de la rica ciudad de Monterrey, a mitad de camino entre Los Ángeles y San Francisco, se produce una muerte violenta de la que desconocemos todo,victima, sospechosos y causas.
La serie Big Little Lies (2017) reconstruye todos los hechos que derivan en ese suceso, a partir de la llegada de una madre soltera con su hijo pequeño a la ciudad, con las amistades y enemistades que va haciendo y que nos permiten conocer en profundidad esa pequeña comunidad de Monterrey, con todas las miserias que esconden, que van a desembocar en el suceso inicial.
David E. Kelly, responsable de "Ally McBeal", adapta la novela "Pequeñas Mentiras" (2014) de la escritora australiana Liane Moriarty para construir esta producción de HBO dirigida por Jean-Marc Vallée.
El casting de esta seríe es impecable, participan Reese Witherspoon, Nicole Kidman, (propietarias de la productora que adquirió los derechos del libro) Shailene Woodley, Laura Dern, Zoë Kravitz y Alexander Skarsgård, entre otros. Aunque las mujeres se llevan la mayor parte de la trama, esto no significa que los personajes masculinos que participan en la historia tengan menor importancia.
La música juega un papel fundamental durante los 7 capítulos de la serie, con mucha música moderna como Leon Bridges, Frank Ocean, Charles Bradley, Sufjan Stevens, Alabama Shakes y Agnes Obel, aunque también hay espacio para clásicos como Elvis Presley, PJ Harvey, Fleetwood Mac, Neil Young, Death in Vegas, Sade, y Jefferson Airplane.
Big Little Lies fue una de las series mas premiadas del pasado año, obtuvo 4 Globos de Oro, 5 premios Emmy, 4 premios Critics Choice Awards, premios de los Sindicatos de Directores, Productores, Guionistas y Actores y varias nominaciones. 
El punto fuerte de esta serie es un reparto lleno de estrellas que cuentan una historia absorbente que nos mantendrá intentando adivinar los misterios a cada paso del camino.

 

domingo, 15 de abril de 2018

Canciones (La esencia de la música) 

A Whiter Shade of Pale es una canción de la banda inglesa Procol Harum. El single fue número uno en los UK Singles Chart el 8 de Junio de 1967, manteniendose en dicha posicion por casi 6 semanas.
Gracias a su majestuosa tonalidad con estilo a Bach (empleando ese organo Hammond bajo los dedos de Matthew Fisher), la genial voz de Gary Brooker y la inusual lirica de Keith Reid, esta canción alcanzó el número 1 en varios países en 1967.
Con el paso de los años, se ha convertido en un clásico de clasicos para la gente. En el año 2004, se realizó, en el Reino Unido, un estudio por la Phonographic Performance Limited que citó a esta canción como la mas tocada en las radios de los últimos 70 años. Ademas de eso, se contaron mas de 800 versiones hechas por otros artistas.
Los créditos originales de autoría se los dieron a Brooker y Reid. Pero el 20 de diciembre de 2006, Matthew Fisher ganó un juicio contra sus ex-compañeros de banda para que apareciera en la autoria del tema, esta resolución fue confirmada por la Corte de Apelaciones el 4 de abril de 2008 . Aunque aun sigue siendo objeto de controversia si de verdad Fisher participó en la escritura de la canción.
La canción fue grabada en los Olympic Studios, con Gary Brooker en voz y tocando el piano, Matthew Fisher a cargo del órgano Hammond M-102 , David Knights en el bajo y la guitarra Ray Royer. Los tambores fueron proporcionados por el baterista Bill Eyden en los estudios de grabación. Pasado unos días, la canción fue re-grabada con la banda y su reciente contratación que era el baterista Bobby Harrison. Esta versión que grabaron se considera inferior con la que ya tenian lista. Por lo tanto fue solo usada como lado B y con sonido mono para un single a futuro.
El single original fue lanzado el 12 de mayo de 1967 (Reino Unido, Dram Records). Entró en a los rankings del Reino Unido el 25 de mayo de 1967. En dos semanas, había alcanzado el número uno, donde permaneció durante seis semanas. En total, se mantuvo 15 semanas en los rankings del Reino Unido. En los EE.UU., llegó a alcanzar el puesto nº 5 y vendió más de un millón de copias.
Fue nombrada ganadora (junto al éxito de Queen llamado Bohemian Rhapsody) del ranking de las mejores canciones británicas del Pop entre 1952-1977 hecha por el BRIT Awards.
La revista Rolling Stone colocó a esta canción en el puesto nº 57 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, hecha en 2004. 

sábado, 14 de abril de 2018

Noticias (Reseteando la actualidad) 

Milos Forman (Caslav, 1932), el director de películas como Amadeus o Alguien voló sobre el nido del cuco, ha muerto en su casa de Warren (Connecticut) a los 86 años, según ha informado su esposa Martina, tras una corta enfermedad. "Murió tranquilamente el viernes, rodeado de su familia y amigos más cercanos", ha dicho su viuda. El cineasta checo ha dejado un puñado de obras maestras para la historia, como Amadeus, Alguien voló sobre el nido del cuco, Hair o Pedro, el negro.
Había recibido dos veces el Oscar al mejor director, en 1976 por Alguien voló sobre el nido del cuco y en 1985 por Amadeus. En Alguien voló sobre el nido del cuco Jack Nicholson conseguía despertar en sus compañeros de psiquiátrico el sentido de la libertad que tenían dormido, la lucha del individuo contra la opresión del sistema. Pero el mayor éxito de su carrera le llegaría con Amadeus. La historia de la envidia y de la secreta admiración que Antonio Salieri sentía por Mozart fue una de las grandes películas de 1984. Ganó ocho oscars y se convirtió en uno de los títulos más emblemáticos de aquellos años.
Empezó rodando pequeñas películas de realismo social, un cine impuesto por el régimen comunista que gobernaba su Checoslovaquia natal. Sin embargo, cuando se exilió a Estados Unidos en los años setenta, fue poco a poco decantándose por el cine entendido como un gran espectáculo, pero en el que invitaba a los espectadores a reflexionar sobre la condición humana y la falta de libertad.

jueves, 12 de abril de 2018

Películas (Una mirada diferente al cine) 

Otilia y Gabita comparten habitación en una residencia de estudiantes. Ambas van a la universidad en una pequeña ciudad de Rumanía durante los últimos días del comunismo. Otilia alquila unha habitación en un hotel barato. Han quedado con un tal Sr. Bebe por la tarde. Gabita está embarazada, el aborto es ilegal y ninguna ha tenido que enfrentarse a algo así antes.
La película forma parte de un proyecto más amplio titulado Tales of the golden age (Relatos de la edad de oro), unha historia subjetiva del comunismo en Rumanía contada mediante su leyenda urbana. El objetivo del proyecto es hablar de aquel período sin hacer referencias directas al comunismo, contando diferentes historias que enfoquen a opociones personales en una era de infortunio en la que la gente tuvo que vivir como si fueran tiempos normales. Esta película es la primera entrega de la serie.
4 meses, 3 semanas, 2 días consiguió la Palma de Oro del festival de Cannes de 2007, el premio a la mejor película y director Cristian Mungiu de los premios del cine europeo y el premio Goya a la mejor película europea.
El dúo protagonista está formado por Anamaría Marinca, a la que vimos a las órdenes de Coppola en Youth Without Youth y Laura Vasiliu, a la que vimos en Second-Hand. Gran parte del peso dramático recae en el personaje del Sr. Bebe, que interpreta con mucha energía Vlad Ivanov (En territorio enemigo). Completa el reparto, Luminita Gheorghiu, una de las protagonistas de la aclamada 12:08 al este de Bucarest.
Una película austera pero sugerente, veraz, tenebrosa, realista y crítica. Un inteligente y durísimo retrato de la supervivencia cuando todo lo que te rodea te invita a la rendición.


domingo, 8 de abril de 2018

Versión Original (Canciones que tienen un pasado) 

Higher Ground es una canción de Stevie Wonder de 1973 de su álbum Innervisions.  La canción llegó al puesto nº 4 en los sencillos pop de Estados Unidos. La versión del álbum contiene un verso extra y 30 segundos más que la del sencillo.
Es un tema de estructura funk y llena de ecos rocanroleros. La letra podría ser considerada como “de protesta” y con tintes incluso un tanto religiosos.
Se sabe que Stevie escribió el tema de un solo golpe, en un arrebato de inspiración. Al grabarlo, se encargó de hacer todas las voces y de tocar casi todos los instrumentos, ya que sólo contó con la ayuda de Robert Margouleff en la programación de los sintetizadores. Varios de estos fueron colocados en círculo y mientras grababan, Stevie fue pasando de uno a otro.


Higher Ground fue versionada por los Red Hot Chili Peppers en su álbum de 1989 Mother´s Milk. Esta versión fue lanzada como sencillo siendo candidata a un MTV Video Award.  
En este video, grabado para EMI America, Anthony Kiedis canta y baila mientras la banda toca frente a una pantalla azul que llena el fondo con imágenes animadas e imágenes de guerra abstractas.
No puede negarse que interpretan esta canción con una fuerza tremenda y que le imprimen su sello de manera muy efectiva. Higher ground les abrirá el mercado internacional más que ninguna canción propia hasta el momento, y será el resorte que les permita subir otro peldaño a nivel comercial.


miércoles, 4 de abril de 2018

Películas (Una mirada diferente al cine) 

Michael, un biólogo molecular al que solo parece interesarle la investigación genética y Bruno, un ser dependiente de las fantasias sexuales que paga por hacer, son medios hermanos porque ambos tienen la misma madre, una mujer egoísta que les dejó con sus abuelas paternas y siguió disfrutando de su vida. Sus caminos parecen cambiar cuando encuentran el amor en Annabelle y Christiane, dos mujeres que les complementan.
Basándose en la exitosa novela de Michel Houellebecq (que fue un auténtico superventas en Francia, un bombazo literario que no solo rompió tabúes sino que también se convirtió en una novela de culto), el director Oskar Roehler (Ningún sitio adonde ir) muestra en Las Partículas Elementales (2006) las dos historias de amor protagonizadas por dos hermanos que se encuentran siempre en un continuo contraste de vida e intereses.
Un relato en el que se condensan los vicios del ser humano, el egoísmo, la racionalidad llevada al extremo, la necesidad de cariño y como dos personas pueden ser tan distintas y aún así comprenderse y tolerarse.
El reparto lo componen el actor y el presentador Christian Ulmen (Men in the city), Moritz Bleibtreu (El Experimento, Corre Lola, Corre), Marina Gedeck (El buen pastor, Deliciosa Marta) y Franka Potente (El mito de Bourne, Almas perdidas en la ciudad) y Nina Hoss (Desnudos).
La película se estrenó en el Festival de Cine de Berlín de 2006 donde Moritz Bleibtreu consiguió en Oso de Plata al mejor actor.
Está película se mueve entre lo amable y lo vulgar, lo intenso y lo frívolo con una agradecible naturalidad.